Haces unos meses apareció la prometida masterclass de Herbie Hancock.
Cuando por primera vez vi la publicidad para la pre-compra tuve dudas, y pasó un tiempo hasta que finalmente compré el acceso.
Si bien Hancock fue mucho tiempo uno de los músicos que me guiaron en mi descubrimiento y aproximación al jazz, tenía la sensación que actualmente, encontrándome navegando otros universos musicales estas lecciones no me aportarían tanto.
Error!
Los primeros temas de jazz que aprendí a tocar fueron justamente de Herbie Hancock, Wayne Shorter y Miles Davis.
Escuchar a Hancock después de tanto tiempo primeramente revivió el recuerdo de las decenas de discos comprados y escuchados incansablemente, los conciertos en vivo, los videos repetidos cientos de veces, las cientos de páginas de transcripciones, etc.
El material incluído en estas lecciones es de tremendo valor, ejemplos y temas transcriptos y algunos conceptos generales sobre la música y sobre ser músico de un maestro que es una leyenda viva, con una experiencia que incluye se una parte fundamental de la historia del jazz contemporáneo.
Mientras escuchaba por segunda vez las lecciones tomé nota de algunas de las ideas y conceptos que Herbie Hancock transmite.
Lo que sigue no es un texto prolijo ni completo. No es una transcripción literal.
Simplemente es una guía personal fácil de releer y que me permite encontrar en las lecciones lo que quiera revisar.
Las anotaciones siguen el orden de las lecciones:
Herbie Hancock M A S T E R C L A S S
01 Introducción
Lo que estudiaremos en estas clases:
Hablaremos de armonía, melodía, clustres, voicings de acordes, contra-ritmos, y mirar nuestro potencial de desarrollar nuestro propio sonido, y apreciar una visión
más amplia de la múscia.
La idea es terminar con una idea más amplia de la posibilidades.
No puedo hacerlo por ustedes, sino que cada uno debe crear su propio juego.
02 Una aproximación humana a la música
Desde mi visión, el jazz es el medio de expresión más grande del ser humano.
La razón por la que digo esto es porque en el jazz estamos constantemente en el momento, creando en el momento. Como en una conversación. De hecho el jazz es comunicación, es una conversación entre músicos, pero no solo entre músicos. Es una conversación que tenemos con la audiencia, que son parte del proceso creativo, porque sus sentimientos llegan al escenario y afectan a los músicos que están tocando.
Toda esa energía que está ahí afecta lo que está pasando en ese momento.
Los músicos están compartiendo sus sentimientos con los otros músicos, están confiando en los otros y estimulando en todo momento.
Los músicos tienen la posibilidad de explorar los sentimientos más profundos, las dificultades, todos los elementos de la experiencia humana.
Siento que para mi es muy importante no poner una caja a mi alrededor que diga soy un músico.
Siempre me definí como un músico, porque es lo que hacía. Es normal definirse ligado a la habilidad que uno tiene y a la actividad que se realiza.
Sin embargo, para mi hija yo era un padre, no un músico.
También era un esposo, un hijo, un vecino, un amigo, y todos los distintos aspectos que me convertían en un ser humano.
Es me permitió eliminar cualquier tipo de caja o forma de encasillar.
Esto me lleva a escuchar la música no como un músico sino como un ser humano en el que habitan todas esas dimensiones.
Esto abre todo un territorio extenso de donde tomar para expresar a través de la música.
Cuando escucho como músico o como músico de jazz, tal vez escucho la estructura, la estructura de los acordes y detalles técnicos.
El que no es músico no tiene esas herramientas.
Es importante escuchar desde el punto de vista de ser humano y tener el mismo tipo de experiencia que el auditor, que no es músico y encontrar los puntos de conección.
La música no es sobre música, es sobre la vida.
Nadie quiere los detalles técnicos, eso no es la música, eso es parte de un oficio.
La música es algo que trasciende eso. Utiliza los aspectos técnicos.
Si la música no tiene corazón y no tiene historia, entonces no significa nada y no podrá conectar con nadie en un nivel humano profundo.
03 Improvisación
Improvisamos todo el tiempo.
Cuando vamos de un lugar a otro, no nos preguntamos que pie va primero, simplemente caminamos.
La improvisación es similar a cuando tenemos una conversación con alguien.
Está basado en responder a lo que esté pasando en el momento.
Escuchamos y reaccionamos en consecuencia.
Todas las desiciones son tomadas sobre lo que está sucediendo en el momento.
Lo que ayuda es cuan abiertos estamos.
Cuando cerramos la mente con clasificaciones, giros, etc. lo único que hacemos es limitar el aglomerado de ideas, el mundo de opciones.
Lo que un músico que improvisa debe hacer es no juzgar, sino aceptar lo que sea que pase y transformarlo en algo posible y valioso.
Hay una tendencia a pensar que sólo ciertas notas funcionan sobre cierto acorde.
Las notas que no encajan en la escala pueden usarse como notas de paso.
Frases sobre acordes de paso.
La idea de repetición.
Tocar algo “mal“ y tocarlo nuevamente.
De hecho en cierto sentido, no hay notas erróneas.
La perfección y tocar música no son lados de una misma moneda.
Es posible tocar algo perfecto desde el punto de vista técnico y no ser musical, no trasmitir.
Hay que escuchar.
Si suena bien, está bien.
04 Aprender escuchando
Creo que es buena idea en el proceso de aprender algo nuevo tratar de ver cómo otros lo han hecho antes.
Está bien copiar, y eventualmente en un punto uno tendrá su propia voz.
Al principio es muy útil escuchar y aprender tocando lo que tocan los músicos que tocan lo que nos gusta.
A quién escuchar - a quién escuché para aprender:
Miles Davis
John Coltrane
Wayne Shorter
Stevie Wonder
Jacob Collier
Es importante escribir lo que uno escucha. Transcribir ayuda a desarrollar la conexión entre el oído y lo que está en la página escrita.
05 Las dos formas básicas del Jazz
En Jazz sólo hay dos formas básicas:
Blues [12 compases]
Rhythm Changes
Aprender a escuchar las Blue notes, el color menor.
b3
b7
b5
Músicos de blues de donde aprender:
Oscar Peterson
Nat King Cole
Less McCann
Horace Silver
Guitarristas:
BB King
Etc.
Es importante aprender distintas formas de tocar blues y rhythm changes. Hay muchas maneras de aproximarse a este tipo de música y depende de cada uno encontrar ideas para expresar.
06 Escuchar y aprender: "Oleo"
07 Fundamentos básicos del piano
Descubrir por uno mismo algunas cosas mínimas respecto al piano.
Altura de las notas.
Dejar a los niños investigar y descubrir el piano antes de comenzar con las lecciones.
Práctica:
Practicar para la perfección pero no dedicar la totalidad del tiempo a la práctica.
Eliminar el miedo a no practicar constantemente y la dependencia adictiva a la práctica.
Aprender a leer música.
Se puede aprender música de oído y se puede aprender leyendo, pero hay ciertas ventajas si se aprende a leer.
Hay una falsa creencia, y mucha gente piensa esto y es que leyendo música uno puede perder la habilidad de crear lo propio.
Esto no es verdad ! Todo lo contrario.
Hay además una gran ventaja en poder ver una página con notas escritas y saber como suena sin necesidad del instrumento.
Ahorra mucho tiempo !!!
El toque:
La cualidad / calidad del sonido, la forma de producir el sonido, lograr algo que suene realmente bello, o algo que suene hiriente.
La importancia de desarrollar la capacidad de sonar con intención. Tener control de la cualidad tímbrica del sonido, las dinámicas, los contrastes.
La parte física es muy importante en la técnica y es necesario prevenir lesiones por el mal uso del cuerpo.
El punto es estar relajado, espalda derecha, no levantar los hombros, no mover excesivamente los codos hacia afuera.
Utilizar lo que es necesario para la ejecución, dedos, muñeca, brazo.
08 Ejercicios para piano
Hanon Versus Beringer
Los ejercicios de Beringer utilizan la misma digitación para distintas estructuras y esto resulta de ayuda para la improvisación, donde la digitación a veces no puede ser la ideal.
No desviar la muñeca de manera lateral.
Al practicar, los ejercicios no es sólo lo que uno practica. El proceso que la mente realiza va más allá del ejercicio.
Lo que uno practica, activa otras áreas y estimula la creatividad.
Por otro lado, el control y la determinación se fortalecen y la constante atención desarrolla el poder de mantener la concentración.
09 Improvisando solo
Cuando uno toca solo, no es necesario seguir la forma de la canción original.
No es necesario mantener el tempo.
Puede tocarse cualquier tipo de armonía.
Recursos para improvisar solo piano:
Re-utilizar material temático
Quebrar la regularidad rítmica
10 Técnicas de improvisación expandidas
Comenzar con algunas notas
Decidir hacer algo con ese material
Cambiar la ubicación temporal
Armonizar de distintas maneras
Encontrar la libertad:
Reaccionar contra las formas convencionales de tocar música y de escuchar música.
Romper algunas reglas que uno utiliza normalmente para tocar.
Buscar el sonido
Clusters
Teclas blancas contra negras
Contexto no tonal
La libertad no necesariamente debe ser asociada al free jazz.
El punto es encontrar formas de expresión que sean estimulantes para uno, paro los otros miembros del grupo y para el oyente.
Es importante que cada uno tenga su sonido. Que cada uno busque su sonido.
Desarrollar el propio vocabulario.
Contar una historia.
Estimular la relación con imágenes para describir en sonido.
Tener una variedad de opciones, crear variedad de opciones.
La variedad es el punto.
Crecer cada día.
A pesar de escuchar el nivel de otros músicos y que esto asuste, es importante dar un paso por vez.
No se pueden dar saltos.
Avanzar es paso a paso. Lleva tiempo, determinación, coraje y paciencia.
Creer en uno mismo. No en la capacidad que uno tiene de llegar a donde está el otro, sino creer en que uno es capaz de ser mejor de lo que es ahora.
Ser mejor hoy que ayer y ser mejor mañana.
Eso es todo lo que se necesita.
No hay un punto donde el crecimiento se detiene.
Si uno elige no crecer, elige no vivir.
11 Jam Session: Improvisando Juntos
Tocando juntos todos aprenden a escuchar al otro, a confiar en los demás y confiar en uno mismo. Estar abierto.
Estar abierto a que pase lo que pase, uno sea capaz de convertir eso en algo musical.
Esto puede llevar tiempo y práctica pero de a poco uno encuentra la oportunidad de transformar lo que sea en algo útil o que pueda ser aprovechado de manera musical.
Agregar lo que hace falta.
Crear contraste.
No hace falta tocar algo todo el tiempo.
Si hace falta nada, tocar nada.
Si no sabes que tocar, no tocar.
Si uno escucha algo que funcionar en el contexto, tocarlo.
12 Componiendo
Cuando uno va a componer tiene el camino abierto. Pero hay que comenzar.
Simplemente hay que empezar.
Empezar con algo, es suficiente para seguir.
Siempre se puede acomodar y utilizar el material.
Una cosa lleva a la otra y el proceso creativo se estimula.
El problema es cuando uno no toca esa primera nota, o ese primer acorde.
Ese el el secreto.
Comenzar!
Vivir una vida exitosa es cuando uno hace algo por otro y cuando el miedo no es una opción.
Hay una infinidad de maneras en las que puede tratarse una pieza de música.
No limitarse a uno mismo.
No limitarse a un tipo de público.
No limitarse a un estilo.
Se estará dejando afuera a otros que podrían disfrutar.
No tener miedo a ser el primero en algo.
No tener miedo a crear algo que no existe.
13 Re-componiendo, Re-arreglando, Re-invenando
Una música puede evolucionar siempre. Es importante tener el coraje de adaptar y cambiar cosas si hace falta o uno lo escucha necesario.
No permitir que las críticas obstruyan el camino del crecimiento.
Seguir el propio camino. Permitir la expansión y la busque de nuevas formas de expresión.
Buscar la novedad y lo distinto como desafío personal.
14 Jam Session: Dos aproximaciones a “Watermelon Man”
Buscar variedad rítmica. Sorprenderse a uno mismo. Sorprender a otros.
15 Trabajando como compositor
Componiendo para publicidad, el foco es el producto y no tu música.
Componer para radio, televisión, cine, animación, etc. Es siempre una fuente de inspiración y una manera de hacer crecer el propio vocabulario y las herramientas disponibles.
Hacer la música para una película es muy diferente a hacer un disco.
Es el sueño del director que hay que manifestar.
En el cine a veces la música realza algo que está ahí y otras veces lo suaviza.
En un disco todos los instrumentos deben sonar y la historia se cuenta con la música.
En el cine, hay actores y y la música forma parte de un ambiente.
Es importante para los estudiantes de música educarse en negocios.
Hoy en día no es necesario depender de compañías, editoriales, etc.
Nunca entregar los derechos de la propia música.
16 Voicings de acordes
Utilizar inversiones para reemplazar bajos en las progresiones.
Abrir acordes densos para suavizar las disonancias.
Tríadas abiertas superpuestas (poliacordes)
Explorar y descubrir el propio camino.
Utilizar el oído como guía.
17 Objeto de estudio: Reharmonizando “’Round Midnight”
Para rearmonizar Round Midnight para la película, intenté utilizar armonías disponibles y escuchadas en esa época, no sólo en el jazz sino en la música clásica contemporánea.
Algunos acordes no eran los utilizados en el jazz, sin embargo habían sido frecuentes en Ravel, y estaban de alguna manera en el oído en la época.
Acodes invertidos
Contra-melodías
Mezclar recursos idiomáticos en la época con armonías no utilizadas.
Melodías por terceras combinadas con acordes sin la tónica en el bajo.
Lo que sugiero es que en lugar de tratar de seguir reglas musicales y estar limitado a esto, siempre aliento a la gente a mirar un cuadro más grande: quién a a tocar esto, cuál es la situación en la película, cuál es el carácter de los personajes, qué es lo que el director quiere, y utilizar esto como guía.
El director pudo decir que es música era muy moderna, pero logré explicarle que esas armonías estaban disponibles en esa época aunque no utilizadas usualmente en el jazz.
Le hice escuchar las piezas de Ravel donde todo esto ocurría.
18 Armonía creativas en Ravel
Ravel:
Acorde I∆ seguido de Io9 y Io∆9
Acorde V13b9 pero con I en el bajo
Acordes de movimiento (dominantes) pero con notas de destino incluidas.
Hacer entrar la ∆ en el V7
G7 a C∆ es B → C
B/G C
19 Expandiendo el horizonte armónico
Los músicos de jazz componen constantemente. La armonía y la rearmonización deben ampliarse constantemente.
Aprender armonía siempre es una gran tarea.
Los oídos son muy importantes y hay que experimentar.
Miles: “no toques notas de manteca“, o grasosas, u obvias o redundantes.
Se abre un estilo totalmente distinto para tocar evitando las terceras y las séptimas.
1 2 3 5 6 7
1 2 3 #4 5 6 7
Incorporar notas de paso y de otras armonías.
Al no estar atado a tocar las notas “mantecosas“ se crea una libertad que abre muchas posibilidades.
Practicar rearmonización ayuda a crear arreglos y a componer.
20 Escuchar y aprender: “Maiden Voyage”
21 Musicalidad rítmica
Tocar “in the pocket“ es justo antes del beat pero no tanto como para que suene atrasado. Especialmente en tiempos lentos o blues.
El secreto de Donal Byrd para tocar rápido:
El problema para improvisar sobre tempos rápidos es que nunca te has escuchado tocando rápido. Debes tomar una forma, blues o rhythm changes y escribir un solo, varias vueltas del tema. Mientras concibes lo que estas escribiendo concíbelo como un blues rápido, un rhythm changes rápido. Aunque no puedas tocarlo, puedes escucharlo en tu cabeza.
Luego no practiques todo lo escrito como si fuera una pieza clásica, sino tocar un poco, tener la sensación en los dedos, una aproximación a como se siente tocar rápido.
Hay que aprender a escucharse tocando / pensando rápido.
Tony Williams utilizaba la batería de una manera diferente desde el punto del sonido, con un concepto más orquestal. Distintos lugares donde golpear el plato, golpes de crash sin bombo (que habitualmente iban juntos) sólo por cambiar el efecto tímbrico, utilizar el hi-hat combinando cerrado y abierto, etc. Sin embargo, lo que me llamó la atención era la forma irregular de subdividir el o los compases llegando siempre con la acentuación en el 1.
Esto fue lo que me propuse aprender en el piano. Comenzar frases en alguna parte del compás, agrupando en forma irregular (5 5 2), u otras combinaciones y poder resolver la tensión rítmica en el 1.
Actual Proof:
Como escribir un tema cuyo foco sea en la batería.
Utilizar el concepto de Tap (danza) para crear un groove.
Lleva mucha práctica tocar ritmos complejos y sentirse cómodo. Es un proceso de repetición y ensayo, una y otra vez.
22 Jam Session: Rítmo en “Actual Proof”
Interacción, cosas sucediendo en lugares inesperados.
Acentos que caen en partes del compás no habituales.
Pareciera que el beat cambia, pero la forma en que fue compuesto el tema hace que el oído interprete que un desplazamiento hacia atrás genere la sensación de un nuevo pulso.
Si se elimina medio tiempo y la frase queda desplazada, el nuevo acento se interpreta como un cambio en el compás.
23 Una vida en la música
Para algunos el obstáculo más grande es el ego.
Si uno se pone en una especie de pedestal frente a otros, esto causa grandes problemas.
La idea de crear jerarquías es muy destructivo para la creatividad y para uno como ser humano.
También sucede a veces que quienes están involucrados en actividades artísticas ponen esto en un pedestal y creen que cualquier otro trabajo está en un nivel menor. Esto es un error.
Esto no cierto.
Cada ser humano tiene valor, y hay que olvidar el concepto de jerarquías.
La única responsabilidad como seres humanos es manifestarse en formas que puedan contribuir a la felicidad de otros. Esa es la responsabilidad de todos y cada uno.
Me gusta trabajar con gente con mentes abiertas, corazones abiertas, que saben escuchar y que no dejan que el ego interfiera.
Gente que quiera intentar que las cosas pasen y se muevan hacia adelante.
Trabajar con los mejores músicos para poder aprender.
Siempre quiero seguir aprendiendo, y aunque tenga más edad quiero seguir siendo siempre un estudiante.
Constantemente estoy escuchando a gente más joven, abriéndome a sus ideas y aprendiendo de ellos.
Lo que me gusta siempre es una situación en donde todos ganen.
No creo en la idea de que uno gane y otro pierda.
Lo que trato de crear y el tipo de mundo en el que quiero vivir es donde haya al menos dos ganadores siempre.
No hay que apresurarse a descartar.
A veces puede utilizarse y reconvertirse en algo de valor.
Con respecto al trabajo, a veces existe la creencia de que trabajare en algo no relacionado con la música es negativo.
No hay que tener una visión cerrada respecto a la actividad artística que uno realiza.
Uno no puede limitarse a pensar sólo en música.
Si en lo único que uno va a enfocarse en la música, con una visión de túnel, y lo único que uno ve es música y notas y acordes y harmonía y técnica…
La música no se trata de eso.
La música es un historia sobre la vida, el corazón, el sufrimiento, sobre ganar, sobre perder, sobre el conflicto, sobra las cosas verdaderas que pasan el la vida.
Cualquier trabajo puede ser la fuente para crecer y obtener esas vivencias de las cuales nutrirse.
De hecho a veces aceptar un trabajo no relacionado es crucial y claramente decisivo para poder seguir adelante.
Convertir siempre los obstáculos en oportunidades.
Enfrentando la inseguridad.
Es normal sentir inseguridad frente a la creatividad.
Lo importante es no dejar que esto nos detenga, que sea una barrera que impida el progreso.
Todos cometemos errores, es humano.
Es indispensable tener determinación y pasión.
Nunca rendirse.
Es muy importante estar abierto a reconocer nuestro verdadero ser. Saber quienes somos.
Tenemos infinito potencial para desarrollarnos y crecer.
Hay que alimentar nuestro potencial progreso y nunca detener el crecimiento.
24 Escuchar y aprender: “Watermelon Man”
25 Cierre
Elegir algo y experimentar.
Decidir que puede ser útil para uno y hacerlo.
Practicar lo necesario.