• Pablo Ziffer

La Pedagogía de Lennie Tristano x Dave Frank y Harvey Diamond


El enfoque pedagógico particular de un genio contado a través del recuerdo de dos alumnos, Dave Frank y Harvey Diamond, quienes relatan algunas de sus experiencias con el maestro.


  1. Objetivos de estudio. Tristano tenía un programa muy definido que no seguía estrictamente sino que se adaptaba a la situación de cada alumno.

La enseñanza integral debía darle al alumno fundamentos sólidos basados las siguiente áreas:

Técnica pianística

Entrenamiento auditivo

Teoría

Cada lección dejaba una serie de ejercicios específicos para hacer.

  1. Lecciones. Lennie Tristano fue uno de los primeros músicos que desarrollaron un sistema pedagógico para la enseñanza del Jazz.

Si bien las lecciones se orientaban a la situación del alumno, había temas específicos que debían abordarse, con lo cual siempre estarían presente los siguientes aspectos.

Técnica

Voicings

Teoría

Tocar sobre canciones

Improvisación

Escalas

Arreglos

Acordes en mano izquierda

  1. El ideal de Tristano era ayudar al alumno a tocar y a exteriorizar o plasmar la música que tenía adentro como individuo, al margen de que había cosas específicas sobre las que trabajar.

  1. La concepción pedagógica de L.T. era que el alumno aprendiera cada elemento como si fueran piezas de un rompecabezas para que luego pudiera unirlas de la manera que quisiera.

Estudiar cada elemento necesario para poder tocar de manera particular, pero nunca señalando cómo o qué tocar. Esto provee al alumno con lo necesario para poder expresar su individualidad y que es de alguna manera de lo que se trata el Jazz.

“En seis o siete años estudiando con él nunca me dijo qué nota tocar“ D. Frank

No hablaba sobre acordes/escalas en el sentido de qué nota era la correcta, etc.

  1. Digitación. L.T. había desarrollado una serie de ejercicios técnicos para tocar escalas. La idea era romper con los moldes clásicos de cómo digitar series de notas y poder de laguna manera tocar lo que sea con cualquier dedo.

Lo ejercicios consistían en tocar las escalas primero manos separadas, luego juntas en movimiento contrario con combinaciones de dedos específicas:

Sólo dedos:

1 2

4 5

1 2 3

3 4 5

1 2 1 2 3

3 4 5 4 5

Por último las digitaciones clásicas

[siempre lento !!! Comenzar siempre bien lento !!!]

Cuando se tocaba manos separadas, siempre la mano izquierda comenzaba con movimiento descendente.

Primero siempre con metrónomo, no como ayuda o muleta sino como vehículo para desarrollar el sentido rítmico y el swing.

Al principio la práctica de escala era sin contenido rítmico, luego en figuras, acentos, combinaciones y polirritmias.

Estos ejercicios de escalas eran concebidos como un programa de al menos 5 años, a veces 8 años, etc.

Para tener una idea de la dificultad, uno de los ejercicios podía consistir en tocar cualquier escala, en cualquier tono, sólo con dedos 4 y 5 en movimiento contrario en polirrítmias 3:2, 3:3, 3:5, etc con metrónomo

Siempre cuidando el sonido y llegando al fondo de la tecla.

  1. Teclas blancas / Teclas negras

El concepto general era tocar en las teclas blancas lo más adentro posible para estar cerca de las teclas negra y evitar movimientos innecesarios y lesiones.

En el caso de acordes, las teclas blancas tocadas bien entre las teclas negras.

Cuenta D.F. que luego de 5 años de tocar escalas con 2 dedos fue a ver a L.T. con la idea de haber terminado el programa y recibió como respuesta: ahora hacemos todo de nuevo sin metrónomo.

D.F. dijo por primera vez NO, y L.T. se rió demostrando su enorme sentido del humor.

  1. El sonido de cada nota y el sentimiento.

El sonido de cada nota debías ser cuidado.

Lograr un sonido parejo a pesar de las digitaciones irregulares.

Finalmente, poder expresar “sentimientos“ a través de los dedos. El aspecto emocional a través de la técnica.

  1. Acordes y Voicings.

Lo primero que le daba a un alumno era una serie de acordes para la mano izquierda.

Los voicings estaban ordenados en listas, y agrupados por tipos de acorde.

Posibilidades y combinaciones para cada tipo y familia de acorde, totalmente organizados y clasificados.

Para acordes ∆ había 20 o 30 posibilidades

Para acordes 7, más de 100

Cada voicing, grupo de voicings, etc debía ser practicado sistemáticamente en todos los tonos.

El estudio de una sola familia de acordes podía durar semanas.

L.T. decía combinaciones de números:

1 3 7

1 3 5 7

2 3 5

2 3 5 1

etc.

Todas las posibilidades eran estudiadas de manera ordenada y sistemática.

  1. Arreglos

Una vez presentadas las listas de acordes y con todos los voicings disponibles el alumno tenía a su disposición una paleta de colores interminable para ordenar y decidir cómo sonar.

  • Un concepto fundamental era la mantener conciencia melódica que cumple el pulgar en la mano izquierda.

El pulgar cumple una función de contra-melodía.

  • Otro punto a tener en cuenta era la necesidad de que todas las notas sean ejecutadas rigurosamente de manera simultánea en los acordes.

  1. Relajación física - conciencia corporal.

  1. Acordes - 2 manos

  • Tríadas y acordes de séptima diatónicos

  • Posiciones abiertas - Drops

Límites

Improvisar sobre un tema con 1 solo dedo en 40 bpm.

Con cada dedo, cada vez.

Fraseo con 1, 2, 3, etc. notas

Incrementar la velocidad de cada elemento gradualmente y luego volver.

  1. Cantar con los discos.

Nunca finalizaba una lección sin cantar sobre algún disco.

  1. Música Clásica

Su postura frente a la necesidad o no de estudiar música clásica para poder tocar Jazz era que hay un aspecto técnico y mecánico que es necesario desarrollar. Esto puede hacerse fuera del repertorio clásico pero debe hacerse.

No es necesario desde su punto de vista pasar por el repertorio clásico para tocar Jazz, pero sí es necesario desarrollar la técnica.

  1. Voicings / Melodía

El aspecto auditivo debe guiar el desarrollo melódico.

#LennieTristano #DaveFrank