• Pablo Ziffer

Herbie Hancock - Reseña y notas de la Masterclass 2017


Haces unos meses apareció la prometida masterclass de Herbie Hancock.

Cuando por primera vez vi la publicidad para la pre-compra tuve dudas, y pasó un tiempo hasta que finalmente compré el acceso.


Si bien Hancock fue mucho tiempo uno de los músicos que me guiaron en mi descubrimiento y aproximación al jazz, tenía la sensación que actualmente, encontrándome navegando otros universos musicales estas lecciones no me aportarían tanto.

Error!

Los primeros temas de jazz que aprendí a tocar fueron justamente de Herbie Hancock, Wayne Shorter y Miles Davis.

Escuchar a Hancock después de tanto tiempo primeramente revivió el recuerdo de las decenas de discos comprados y escuchados incansablemente, los conciertos en vivo, los videos repetidos cientos de veces, las cientos de páginas de transcripciones, etc.

El material incluído en estas lecciones es de tremendo valor, ejemplos y temas transcriptos y algunos conceptos generales sobre la música y sobre ser músico de un maestro que es una leyenda viva, con una experiencia que incluye se una parte fundamental de la historia del jazz contemporáneo.

Mientras escuchaba por segunda vez las lecciones tomé nota de algunas de las ideas y conceptos que Herbie Hancock transmite.

Lo que sigue no es un texto prolijo ni completo. No es una transcripción literal.

Simplemente es una guía personal fácil de releer y que me permite encontrar en las lecciones lo que quiera revisar.

Las anotaciones siguen el orden de las lecciones:

Herbie Hancock M A S T E R C L A S S

01 Introducción

Lo que estudiaremos en estas clases:

Hablaremos de armonía, melodía, clustres, voicings de acordes, contra-ritmos, y mirar nuestro potencial de desarrollar nuestro propio sonido, y apreciar una visión

más amplia de la múscia.

La idea es terminar con una idea más amplia de la posibilidades.

No puedo hacerlo por ustedes, sino que cada uno debe crear su propio juego.

02 Una aproximación humana a la música

Desde mi visión, el jazz es el medio de expresión más grande del ser humano.

La razón por la que digo esto es porque en el jazz estamos constantemente en el momento, creando en el momento. Como en una conversación. De hecho el jazz es comunicación, es una conversación entre músicos, pero no solo entre músicos. Es una conversación que tenemos con la audiencia, que son parte del proceso creativo, porque sus sentimientos llegan al escenario y afectan a los músicos que están tocando.

Toda esa energía que está ahí afecta lo que está pasando en ese momento.

Los músicos están compartiendo sus sentimientos con los otros músicos, están confiando en los otros y estimulando en todo momento.

Los músicos tienen la posibilidad de explorar los sentimientos más profundos, las dificultades, todos los elementos de la experiencia humana.

Siento que para mi es muy importante no poner una caja a mi alrededor que diga soy un músico.

Siempre me definí como un músico, porque es lo que hacía. Es normal definirse ligado a la habilidad que uno tiene y a la actividad que se realiza.

Sin embargo, para mi hija yo era un padre, no un músico.

También era un esposo, un hijo, un vecino, un amigo, y todos los distintos aspectos que me convertían en un ser humano.

Es me permitió eliminar cualquier tipo de caja o forma de encasillar.

Esto me lleva a escuchar la música no como un músico sino como un ser humano en el que habitan todas esas dimensiones.

Esto abre todo un territorio extenso de donde tomar para expresar a través de la música.

Cuando escucho como músico o como músico de jazz, tal vez escucho la estructura, la estructura de los acordes y detalles técnicos.

El que no es músico no tiene esas herramientas.

Es importante escuchar desde el punto de vista de ser humano y tener el mismo tipo de experiencia que el auditor, que no es músico y encontrar los puntos de conección.

La música no es sobre música, es sobre la vida.

Nadie quiere los detalles técnicos, eso no es la música, eso es parte de un oficio.

La música es algo que trasciende eso. Utiliza los aspectos técnicos.

Si la música no tiene corazón y no tiene historia, entonces no significa nada y no podrá conectar con nadie en un nivel humano profundo.

03 Improvisación

Improvisamos todo el tiempo.

Cuando vamos de un lugar a otro, no nos preguntamos que pie va primero, simplemente caminamos.

La improvisación es similar a cuando tenemos una conversación con alguien.

Está basado en responder a lo que esté pasando en el momento.

Escuchamos y reaccionamos en consecuencia.

Todas las desiciones son tomadas sobre lo que está sucediendo en el momento.

Lo que ayuda es cuan abiertos estamos.

Cuando cerramos la mente con clasificaciones, giros, etc. lo único que hacemos es limitar el aglomerado de ideas, el mundo de opciones.

Lo que un músico que improvisa debe hacer es no juzgar, sino aceptar lo que sea que pase y transformarlo en algo posible y valioso.

Hay una tendencia a pensar que sólo ciertas notas funcionan sobre cierto acorde.

Las notas que no encajan en la escala pueden usarse como notas de paso.

Frases sobre acordes de paso.

La idea de repetición.

Tocar algo “mal“ y tocarlo nuevamente.

De hecho en cierto sentido, no hay notas erróneas.

La perfección y tocar música no son lados de una misma moneda.

Es posible tocar algo perfecto desde el punto de vista técnico y no ser musical, no trasmitir.

Hay que escuchar.

Si suena bien, está bien.

04 Aprender escuchando

Creo que es buena idea en el proceso de aprender algo nuevo tratar de ver cómo otros lo han hecho antes.

Está bien copiar, y eventualmente en un punto uno tendrá su propia voz.

Al principio es muy útil escuchar y aprender tocando lo que tocan los músicos que tocan lo que nos gusta.

A quién escuchar - a quién escuché para aprender:

Miles Davis

John Coltrane

Wayne Shorter

Stevie Wonder

Jacob Collier

Es importante escribir lo que uno escucha. Transcribir ayuda a desarrollar la conexión entre el oído y lo que está en la página escrita.

05 Las dos formas básicas del Jazz

En Jazz sólo hay dos formas básicas:

Blues [12 compases]

Rhythm Changes

Aprender a escuchar las Blue notes, el color menor.

b3

b7

b5

Músicos de blues de donde aprender:

Oscar Peterson

Nat King Cole

Less McCann

Horace Silver

Guitarristas:

BB King

Etc.

Es importante aprender distintas formas de tocar blues y rhythm changes. Hay muchas maneras de aproximarse a este tipo de música y depende de cada uno encontrar ideas para expresar.

06 Escuchar y aprender: "Oleo"

07 Fundamentos básicos del piano

Descubrir por uno mismo algunas cosas mínimas respecto al piano.

Altura de las notas.

Dejar a los niños investigar y descubrir el piano antes de comenzar con las lecciones.

Práctica:

Practicar para la perfección pero no dedicar la totalidad del tiempo a la práctica.

Eliminar el miedo a no practicar constantemente y la dependencia adictiva a la práctica.

Aprender a leer música.

Se puede aprender música de oído y se puede aprender leyendo, pero hay ciertas ventajas si se aprende a leer.

Hay una falsa creencia, y mucha gente piensa esto y es que leyendo música uno puede perder la habilidad de crear lo propio.

Esto no es verdad ! Todo lo contrario.

Hay además una gran ventaja en poder ver una página con notas escritas y saber como suena sin necesidad del instrumento.

Ahorra mucho tiempo !!!

El toque:

La cualidad / calidad del sonido, la forma de producir el sonido, lograr algo que suene realmente bello, o algo que suene hiriente.

La importancia de desarrollar la capacidad de sonar con intención. Tener control de la cualidad tímbrica del sonido, las dinámicas, los contrastes.

La parte física es muy importante en la técnica y es necesario prevenir lesiones por el mal uso del cuerpo.

El punto es estar relajado, espalda derecha, no levantar los hombros, no mover excesivamente los codos hacia afuera.

Utilizar lo que es necesario para la ejecución, dedos, muñeca, brazo.

08 Ejercicios para piano

Hanon Versus Beringer

Los ejercicios de Beringer utilizan la misma digitación para distintas estructuras y esto resulta de ayuda para la improvisación, donde la digitación a veces no puede ser la ideal.

No desviar la muñeca de manera lateral.

Al practicar, los ejercicios no es sólo lo que uno practica. El proceso que la mente realiza va más allá del ejercicio.

Lo que uno practica, activa otras áreas y estimula la creatividad.

Por otro lado, el control y la determinación se fortalecen y la constante atención desarrolla el poder de mantener la concentración.

09 Improvisando solo

Cuando uno toca solo, no es necesario seguir la forma de la canción original.

No es necesario mantener el tempo.

Puede tocarse cualquier tipo de armonía.

Recursos para improvisar solo piano:

Re-utilizar material temático

Quebrar la regularidad rítmica

10 Técnicas de improvisación expandidas

Comenzar con algunas notas

Decidir hacer algo con ese material

Cambiar la ubicación temporal

Armonizar de distintas maneras

Encontrar la libertad:

Reaccionar contra las formas convencionales de tocar música y de escuchar música.

Romper algunas reglas que uno utiliza normalmente para tocar.

Buscar el sonido

Clusters

Teclas blancas contra negras

Contexto no tonal

La libertad no necesariamente debe ser asociada al free jazz.

El punto es encontrar formas de expresión que sean estimulantes para uno, paro los otros miembros del grupo y para el oyente.

Es importante que cada uno tenga su sonido. Que cada uno busque su sonido.

Desarrollar el propio vocabulario.

Contar una historia.

Estimular la relación con imágenes para describir en sonido.

Tener una variedad de opciones, crear variedad de opciones.

La variedad es el punto.

Crecer cada día.

A pesar de escuchar el nivel de otros músicos y que esto asuste, es importante dar un paso por vez.

No se pueden dar saltos.

Avanzar es paso a paso. Lleva tiempo, determinación, coraje y paciencia.

Creer en uno mismo. No en la capacidad que uno tiene de llegar a donde está el otro, sino creer en que uno es capaz de ser mejor de lo que es ahora.

Ser mejor hoy que ayer y ser mejor mañana.

Eso es todo lo que se necesita.

No hay un punto donde el crecimiento se detiene.

Si uno elige no crecer, elige no vivir.

11 Jam Session: Improvisando Juntos

Tocando juntos todos aprenden a escuchar al otro, a confiar en los demás y confiar en uno mismo. Estar abierto.

Estar abierto a que pase lo que pase, uno sea capaz de convertir eso en algo musical.

Esto puede llevar tiempo y práctica pero de a poco uno encuentra la oportunidad de transformar lo que sea en algo útil o que pueda ser aprovechado de manera musical.

Agregar lo que hace falta.

Crear contraste.

No hace falta tocar algo todo el tiempo.

Si hace falta nada, tocar nada.

Si no sabes que tocar, no tocar.

Si uno escucha algo que funcionar en el contexto, tocarlo.

12 Componiendo

Cuando uno va a componer tiene el camino abierto. Pero hay que comenzar.

Simplemente hay que empezar.

Empezar con algo, es suficiente para seguir.

Siempre se puede acomodar y utilizar el material.

Una cosa lleva a la otra y el proceso creativo se estimula.

El problema es cuando uno no toca esa primera nota, o ese primer acorde.

Ese el el secreto.

Comenzar!

Vivir una vida exitosa es cuando uno hace algo por otro y cuando el miedo no es una opción.

Hay una infinidad de maneras en las que puede tratarse una pieza de música.

No limitarse a uno mismo.

No limitarse a un tipo de público.

No limitarse a un estilo.

Se estará dejando afuera a otros que podrían disfrutar.

No tener miedo a ser el primero en algo.

No tener miedo a crear algo que no existe.

13 Re-componiendo, Re-arreglando, Re-invenando

Una música puede evolucionar siempre. Es importante tener el coraje de adaptar y cambiar cosas si hace falta o uno lo escucha necesario.

No permitir que las críticas obstruyan el camino del crecimiento.

Seguir el propio camino. Permitir la expansión y la busque de nuevas formas de expresión.

Buscar la novedad y lo distinto como desafío personal.

14 Jam Session: Dos aproximaciones a “Watermelon Man”

Buscar variedad rítmica. Sorprenderse a uno mismo. Sorprender a otros.

15 Trabajando como compositor

Componiendo para publicidad, el foco es el producto y no tu música.

Componer para radio, televisión, cine, animación, etc. Es siempre una fuente de inspiración y una manera de hacer crecer el propio vocabulario y las herramientas disponibles.

Hacer la música para una película es muy diferente a hacer un disco.

Es el sueño del director que hay que manifestar.

En el cine a veces la música realza algo que está ahí y otras veces lo suaviza.

En un disco todos los instrumentos deben sonar y la historia se cuenta con la música.

En el cine, hay actores y y la música forma parte de un ambiente.

Es importante para los estudiantes de música educarse en negocios.

Hoy en día no es necesario depender de compañías, editoriales, etc.

Nunca entregar los derechos de la propia música.

16 Voicings de acordes

Utilizar inversiones para reemplazar bajos en las progresiones.

Abrir acordes densos para suavizar las disonancias.

Tríadas abiertas superpuestas (poliacordes)

Explorar y descubrir el propio camino.

Utilizar el oído como guía.

17 Objeto de estudio: Reharmonizando “’Round Midnight”

Para rearmonizar Round Midnight para la película, intenté utilizar armonías disponibles y escuchadas en esa época, no sólo en el jazz sino en la música clásica contemporánea.

Algunos acordes no eran los utilizados en el jazz, sin embargo habían sido frecuentes en Ravel, y estaban de alguna manera en el oído en la época.